¿Por qué pagar para ver The Innkeepers?..
THE INNKEEPERS, Ti West (2012)
Esto no es nuevo, el cine de terror es muy popular. después de la ola de slashers post-Scream, se ha convertido en una inversión segura para los estudios queriendo producir en cadena para cualquier espectador de centro comercial insensibilizado y ahora ávido de violencia gore.
Obviamente la película de terror de ahora tiene que cumplir con unas especificaciones y el director’s cut es lejos de ser ganado.
Salvo algunas excepciones (Eli Roth, Rob Zombie, Jaume Balaguero…), las películas quedan muchas veces al final impersonales, la razón principal es la fe absoluta que tienen los estudios en las secuelas, precuelas, remakes, reboots y otras adaptaciones.
Por lo tanto, es muy poco permitido innovar en el cine de terror o mas simplemente proponer otro enfoque al género. Peor, cualquier pequeña originalidad o innovación ahora es copiada y agotada hasta convertirse en una marca de fábrica únicamente basada en su proceso mismo.
Como Lo demuestra la explosión del cine de horror estilo found footage desde 1999, año de estreno del excelente Blair Witch Project. http://en.wikipedia.org/wiki/Found_footage_(genre)
La violencia gore alcanzó un estatuto casi pornográfico con las secuelas de Saw, muy lejos de un cine de espanto.
El problema con las películas de terror malas es que se venden, si el genero fuera menos popular, seria forzado evolucionar para volverse nuevamente necesario.
Es por eso que es interesante ver a un director como Ti West investirse personalmente y completement en su película. El y su empresa de produccion Glass Eye Pix no pretenden revolucionar el género sino dejarlo vivir o sobrevivir gracias a una libertad de creación.
Cosa particularmente rara en el género, The Innkeepers es completamente la creación del director, desde la idea original hasta el montaje final.
La idea surgió de hecho durante el rodaje de su película anterior House of The devil, cuando el equipo de rodaje se quedo en el hotel Yankee Pedlar Inn. Un ambiente y unos eventos extraños habrían motivado a Ti West para escribir esta historia de fantasma ampliamente inspirada en la realidad.
Ti West incluyo al personaje de Luke quien era en la realidad un joven de Torrington que trabajaba en el hotel y anotaba los eventos paranormales que ocurrían en su pagina web: Real Hauntings.
Según la leyenda, una mujer se habría suicidado en el cuarto 353 al principio del siglo 18 al enterarse de la muerte de su marido que estaba esperando para la noche de boda. Pero Ti West no sabia esto cuando escogieron precisamente este cuarto para el rodaje de The Innkeepers.
La película esta rodada en un estilo minimalista y editada como una película de espanto de los tiempos antiguos, para ir contra la moda o simplemente para ser mas auténtico, los códigos de la película de horror son depurados. La película toma mucho tiempo para establecer el tono, los personajes y la intriga en un realismo que cautiva (en mi humilde opinión…). Según Ti West, el terror viene de situaciones con personajes con los cuales podemos identificarnos. Tambien se burla de los programas TV de cazadores de fantasmas que continúan siendo trasmitidos a pesar de que nunca encontraron ni uno! The Innkeepers crea un autentico pavor pasando de un ambiente realista y familiar a una situación paranormal irreversible.
Por último, y es un punto particulierement importante, la película se estrenara en febrero pero ya esta disponible en VOD y por lo tanto en descarga… La película es y seguirá siendo un producto que necesita generar dinero. Sin embargo es importante distinguir la avidez de un director de su deseo de continuar ejerciendo su pasión.
En una nota a los espectadores, Ti West que hasta la fecha no recibió un dolar de beneficios de The House of the Devil, insiste sobre el hecho que, comprar la película por VOD o ir a verla en cine permitiría, más allá del enriquecimiento de los productores, demostrar un interés y reavivar un entusiasmo por películas de horror independientes “diferentes”. Y esto, por supuesto, con el fin de permitir una libertad artística máxima a los cineastas.
Ti West cree pues en otra forma de ver la producción de películas de terror, restableciendo el equilibrio entre la autenticidad del proceso y la rentabilidad del producto. De la misma forma que la película se esfuerza en dar mayor importancia al periplo de los protagonistas que al final esperado.
por François Deverly
Un café en Mulholland Drive
MULHOLLAND DRIVE, David Lynch (2001)
Las películas de David Lynch son conocidas por la influencia que tienen sobre el subconsciente del espectador, el mio me dio ganas súbitas de café cuando volvi a ver Mulholland Drive.
Luego me acordé del personaje de Dale Cooper en Twin Peaks y su obsesion por la bebida estimulante… Me enteré despues que David Lynch era aficionado al café, hasta habia creado su propia marca David Lynch Signature Cup, un café bio cultivado en Mexico y disponible aquí.
Entonces no es tan sorprendente ver muchos de los protagonistas de Mulholland Drive con un pocillo de café en la mano, en cambio es más interesante observar como la trama de la película se alimenta literalmente de esta bebida. El café a través de su influencia sobre el sueño, tiene lógicamente un papel clave en una película donde más de la mitad de la trama ocurre en el sueño.
El café reconforta al personaje de Diane que acaba de cometer un acto horrible y la ayuda para construir una realidad “mejorada”.
Antes de entrar en el sujeto, tocaría (para semejante película…) resumir la trama para los que quedaron confundidos.
Mulholand Drive está dividida en dos partes distintas y antitéticas:
La primera parte constituye el sueño idealizado de Diane (La cámara entra en la almohada al principio de la película) y la segunda es la realidad de pesadilla.
En Hollywood, dos actrices, Diane Selwyn y Camila Rhodes, tienen una aventura, pero Camila, la morena decide romper para casarse con un joven director prometedor, Adam Kesher. Diane no puede soportar la traición y decide hacer asesinar a Camilla. Una vez el contrato cumplido, Diane recibe del asesino una llave azul.Frente a la atrocidad de su acto e invadida por los remordimientos, Diane decide abandonarse en el sueño…
Su sueño está constituido por personajes que la rodean, ella se inventa una historia feliz pero con varios detalles extraños e inquietantes como la misteriosa llave azul. Diane se imagina en “Betty”, una actriz joven y talentosa, ella encuentra a Rita (la verdadera Camila) que tuvo un accidente y encuentra protección cerca de Betty. Las dos mujeres se enamoran … Finalmente, en un teatro llamado “Silencio”, la realidad alacanza de repente el sueño cuando Betty y Rita descubren la significación de la llave azul. El sueño termina, y Diane despierta: no pudiendo aguantar el peso de la muerte de su amiga, se suicida.
Varios elementos giran alrededor del café, también es una manera para el director de dar pistas para entender la trama.
Es en el café Winkies que ocurre una escena clave de la película donde dos hombres toman su desayuno. Una escena que, una vez descifrada, reúne las piezas del rompecabezas. Tenemos dos hombres que simbolizan los papeles de Diane y Camila, ,el primero (Camila) tiene una papel dominante, acabó su plato mientras que el otro(Diane),débil, parece ser demasiado preocupado para comer.
Tengamos en cuenta que más adelante en la película las dos actrices se encuentran en el mismo lugar mientras tratan de reconstruir la historia de Camila, bebiendo café. En este momento Diane utiliza el café para estimular su mente y desarrollar una historia que le conviene.
Es en realidad una manera de decirnos que esto es un sueño, porque Betty está sentada en el lugar del soñador… Él empieza a contar el sueño que le aterroriza cada noches, se trata de un hombre escondido. Una vez más, es un presagio anunciando la muerte de Diana, el vagabundo que aparecerá detrás de Winkies representa la horrible realidad que Diane trata de esconder. Lo vemos mas adelante en la película manipulando la “Caja de Pandora” que debe liberar algo horrible.
Cuando ve al vagabundo, el soñador muere porque no puede soportar el terror, igual que Diane no puede soportar la realidad y se suicida, justo después de la reaparición del vagabundo “Antécristo”. El miedo, intenso y fatal sentido por el soñador frente al vagabundo también está presente cuando Diane contrata el asesino en este mismo café, luego cuando el le devuelve la llave azul.
Otros momentos claves donde podemos darnos cuenta de la sustitución de personajes ocurren en Winkies. En la realidad, Diane prepara un café en su casa en una taza idéntica a las de Winkies. Lo que podría indicar que como de muchas actrices de Hollywood, Diane trabaja como camarera en un café para compensar lo que Hollywood no puede ofrecerle. Lo que sería bastante plausible viendo la importancia dada a este lugar en el sueño.
Esta taza de Winkies se transforma por maravilla en un vazo de whisky en la escena de fantasía con Camila. El café sirve aquí de transición hacia el sueño. La camarera de Winkies también sirve como modelo para la personalidad que Diane adopta en su sueño, también se lleva su nombre.
Para concluir con Winkies, el soñador precisa que tenia que ser ESTE winkies porque su sueño ocurre durante el atardecer, este café se encuentra evidentemente sobre el Sunset Boulevard, o como lo llaman: el Bulevar de los sueños rotos…
Otra escena articulada alrededor del café es la reunión de Adam Kesher con los productores, esta escena es la versión soñada de la escena del restaurante en la vida real, donde Adam y Camila anuncian su matrimonio. En la realidad, Diane hace frente a una situación de extrema soledad y celos mientras que ve a su amante besar a Adam y luego una rubia desconocida. El asco que siente Diane al escuchar la noticia del matrimonio se cristaliza sobre el café que está bebiendo. Su expresión de disgusto cruza la mirada de otro hombre bebiendo un café sin decir nada(Angelo Badalamenti), se convertirá en un mafioso en el sueño. Este mafioso escupe su café durante la reunión para manifestar su desacuerdo con la película de Adam Kesher, del mismo modo que Diane se abstiene de escupir el café durante la cena, ya que desaprueba la unión de Adam y Camila. El pocillo de Diane dice “SOS”, claramente necesita ayuda en este momento preciso.
David Lynch alcanza a hacer sentir de manera extrema (durante los últimos 30 minutos) la angustia y la depresión que pueden ser causados por exceso de café. La partitura de Badalamenti representa perfectamente el estado de Diane, una melodía seductora interrumpida por sonidos disonantes que hacen referencia al un malestar omnipresente, acompañando de manera funebre el destino trágico de la heroína.
El sabor intenso de un café negro, como el del éxito en Hollywood o de una aventura romántica puede rapidamente convertirse en algo amargo y repugnante cuando uno se frota al microcosmo de los productores escondidos en las montañas de Mulholland Drive.
El Color de la Noche
Como lo vimos en un post precedente, el claro de luna tiene incidencias sobre la realidad cinematográfica. En el género fantástico y en las creencias populares, su aura modifica el comportamiento de la gente, transportada en una dimensión surrealista.
Los efectos de iluminación obsesionaron los cineastas desde el principio del siglo 20 cuando,por razónes económicas, bañában las peliculas en baños colorantes con el fin de obtener varios ambientes: verde para los paisajes, azul para la noche, rojo para el fuego, amarillo para las escenas de interior, etc… El cine expresionista alemán fue el primero en utilizar los filtros de manera realmente pertinente.
Luego, Hollywood desarrolló su sistema de iluminación de tres puntos creando un estandar compuesto de “luz clave”, “luz de relleno” y “luz de fondo”. Las normas hollywoodienses y los géneros hacen que una comedia debe tener más colores vivos mientras que una película de terror insista en las sombras y las zonas oscuras.
Los juegos de iluminaciones se volvieron naturalmente en una de las características del cine fantástico como lo ilustra perfectamente la casa de producción Hammer de los años 60, mucha importancia es concedida a los contrastes y a las fuentes de luces misteriosas para resaltar la dimensión sobrenatural y mágica del cuento. El color predominante es evidentemente el azul que simboliza la noche, el frío, la tristeza pero también el espiritual y el sueño.
Una de las utilizaciónes más notables fue en 1932 en el expresionista Nosferatu de Murnau, Fritz Arno Wagner, el director de la fotografía reune las mejores tecnicas para darle a la película una atmósfera inquietante, un filtro sepia es utilizado para representar el día y un azul para la noche. El uso de la imagen negativa para oscurecer el cielo y blanquear el paisaje refuerza esta sensación extraña. La distorsión de la realidad por el color permite a Nosferatu evolucionar en un espacio fantástico y dar un valor más general al terror, en lugar de existir sólo por el personaje.
Utilizado por Hitchcock para iluminar escenas al aire libre de La Ventana Indiscreta, esta famosa iluminación azul luego cruzó el camino de varias películas fantásticas, entre las cuales mencionaremos sólo algunas…
En 1988, Stan Winston, quien era artista y supervisor de efectos visuales diririge Pumpkinhead, una historia de demonio vengador con una fotografía bastante cuidada para elevar la película por encima de las tradicionales series B de la epoca. La historia es un pretexto para hacer una película de monstruo basada en el visual y el diseño de producción. Pumkinhead tiene una textura y una animación muy realista y sobre todo, Stan Winston privilegia la fotogenia de los paisajes, bañados por humo y atravesados por rayos de luz lunar.
La luz azul aparece como una dimensión mágica, donde el monstruo emerge de la niebla para ejecutar una venganza fría de pesadilla. La iluminación de las escenas recuerda las películas clásicas de terror, el ambiente es pesado y los colores son improbables, pero simbolizan perfectamente la pesadilla donde cualquier emoción esta llevada al extremo. Así como en Nosferatu, tenemos dos ambientes claramente separados por el color, el rojo representa el hogar impenetrable calentado con madera y el azul simboliza este lugare completamente frío, surreal y expuesto al peligro.
El azul en el cine simboliza en muchos casos, como el simbolismo del ave azul, el paso hacia la zona del irreal, desde las escenas de fantasías inconfesadas de Nicole Kidman en Eyes Wide Shut hasta el claro de luna intenso que alumbra a Billy y su Mogwai en Gremlins, se trata muchas veces de subrayar algo que no pertenece a nuestro mundo.
Más recientemente representaba una amenaza fantástica venida del cielo, con un valor malévolo en la última película de Lars von Trier donde la luz emitida por planeta Melancholia amenaza con destruir la tierra y altera el espíritu de sus habitantes. El azul aquí es sinónimo de miedo del fantástico y del improbable que surge en nuestro mundo, del último juicio.
En Super 8, se refiere a lo maravilloso, a las luces extraterestres que iluminaban los rostros asombrados de los protagonistas de E.T y de Encuentros cercanos del tercer tipo. Al igual que muchos elementos de la película,esto demuestra una nostalgia para las producciones fantásticas Amblin de los años 70/80. JJ Abrams utiliza también puntos de luz azul como manera de subrayar la distancia entre la imagen cinematográfica y el ojo humano, es una imperfección voluntaria que quiere dar un valor humano a las imágenes fantásticas de un monstruo creado a la perfección por computador.
Si puede tener un valor dulce y reconfortante, esta luz azul simboliza muchas veces de manera desproporcionada la intrusión del fantástico pero tambien un trastorno de la percepción del espectador, para quien cada color representa inconscientemente indicaciones emocionales.
Por último, me gustaría pedir disculpas a la persona que habría leído el artículo pensando que se trataba de una crítica del thriller erótico con Bruce Willis que lleva el mismo titulo…
por François Deverly
Blue Moon
“El diálogo es sólo un ruido entre otros, la música no deja de dirigir la película.” Alfred Hitchcock
AN AMERICAN WEREWOLF IN LONDON, John Landis (1981)
Aunque claramente inscrita en una época, An American Werewolf in London resalta una modernidad en los dialogos y una nueva manera de ver y contar el genero fantastico. Evitando los clichés sobre la juventud de la época, John Landis inscribe su película en un realismo sorprendente.
Mucho tiempo antes de Tarantino, John Landis muestra personajes “cool” porque ya estan conscientes de la cultura pop de la época, evocan la prestación del Hombre Lobo de Lon chaney, toman las situaciones a la ligera y sobre todo, escuchan rock n roll de los 70′s. De la misma manera, Landis esta consciente de la dimension”cool” que pueden tener canciones retros colocadas en un nuevo contexto.
Usando los contrastes horror/ comedia, música dramática/ rock n roll, humanidad de los personajes/ monstruosidad de los actos, John Landis realiza la película de horror más original de su época.
Para ilustrar el tono general de su película, Landis pide por segunda vez a Bernstein que le escriba una partitura antitética definiendo otro genero cinematográfico. Para su comedia Animal House, Landis queria una banda sonora parecida a la musica de un drama muy serio, esta vez Landis quiere crear un contraste entre una musica tragica y canciones de Rock n Roll.
La cuestion de genero para esta pelicula fue muy importante, de hecho nadie queria apoyar el proyecto, demasiado chistoso para una película de terror y demasiado tragico para una comedia. El director insiste en este punto: « Estos dos chicos llegan en un camión lleno de corderos, van a ser masacrados, no es una historia feliz! », por otro lado John Landis utiliza un repertorio rock y jazz con títulos que incluyen todos la palabra “moon” en su título (Blue Moon, Moondance, Bad Moon Rising). El director ya estaba pensando en la banda sonora de la película cuando escribió el guión a los 19.
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OFFICER : Fire!
The guns blaze. The Wolf falls dead. Alex leans on the wall, numb. The cops, Dr. Hirsch, and Sgt. McManus run to the dead Wolf only to find David, naked and riddled with bullets. Alex begins to weep.
FADE TO BLACK – END CREDITS OVER BLACK
SONG: The fifties rock version of “Blue Moon”.
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La canción Blue Moon tiene un papel clave no sólo por su valor narrativo (vuelve hasta tres veces en la película), sino también para guiar el espectador emocionalmente.
En lugar de temas que simbolizan lugares o personajes, el compositor utilisa motivos asociados con ideas. No nos referimos al personaje sino a su estado de ánimo.
Blue moon es una idea sonora de la obra más que un acompañamiento dramático, traduce el sentimiento de soledad del héroe frente a su maldición, haciendo eco a la amorosa soledad que significa originalmente la canción. Esta balada escrita por Richard Rodgers en 1934, en la cual el narrador confía sus desgracias enamoradas a la luna, tuvo en un momento una reescritura intitulada The Bad In Every Man.
John Landis refuerza el caractere trágico del cuento con una canción llena de melancolía en vez de seguir la evolución del héro con una música que acompañe literalmente cada emociones y detalles. La música lírica de bernstein se dispersa sin ser predominante, John Landis confunde al espectador colocando canciones populares en momentos específicos.
En 1981, el público que llego a ver la película de horror del momento esta desconcertado con los créditos de inicio que mostran un amanecer tranquilo en el campo acompañado por el Blue Moon de Bobby Vinton, John Landis tiene la audacia de dejar la canción entera en plano fijo hasta que llege el coche donde se encuentran los dos heroes.
La segunda versión por Sam Cooke, mucho más groovy y encantadora suena en el momento de la transformación, previamente anunciada por Bad Moon Rising de The Creedence. El director no quiere seguir estrictamente los códigos de la película de género y decide rodar la escena en una habitación acaloradamente alumbrada con una música atractiva en lugar de crear un ambiente tenebroso. Los gritos de dolor del héroe se mezclan con la voz dulce y reconfortante de Sam Cooke para crear un contraste mórbido apoyado cínicamente por la figurilla de Mickey Mouse, unico testigo de la escena.
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Spoiler Alert
Para concluir con su narración musical, el director utiliza nuevamente contrastes emocionales. El ultimo plano del cuerpo de David, derribado como un animal en un callejón oscuro, da paso a los créditos de fin con esta vez la versión Rock n’ Roll de Blue Moon por The Marcels. Es la versión más movida y festiva pero también es la que Richard Rodgers detestaba por su intro bee bop fuera de lo común (“bomp-baba-bomp” and “dip-da-dip”). Este estilo con asonancias divertidas toma en caliente al espectador, todavía chocado por la muerte brutal del héro, para subrayar el carácter absurdo de este final trágico. Donde otros directores hubieran dramatizado la muerte con une despedida interminable acompañada de una musica trágicamente convecional, John Landis subraya el carácter brutal y realista del último acto.
Este final, como una gran parte de la obra de John Landis, demuestra como se puede obtener emociones verdaderas y imagenes impactantes al mesclar varios generos cinematograficos
Sin tener una historia relacionada con musicos o movimiento musical, esta pelicula es de las mas Rock n Roll de su tiempo por combatir las convenciones, dar al espectador lo que no espera y regenerar el estilo fantástico con sangre fresca.
